Llenar de miel los bordes, una exposición soft-amenazante que explora la sexualidad femenina

Camila GB nos presenta Llenar de miel los bordes, su primera exposición individual. A través de ella explora la sexualidad femenina con elementos que combinan la agresividad y la suavidad.

El universo de Llenar de miel los bordes es fascinante. Sólo con ver la combinación de materiales y texturas, una queda hipnotizada. Quizá porque los nombres de las obras y los elementos que contienen se contradicen entre sí, pero es este contraste lo que vuelve a esta exposición algo encantador.

Camila escribe poesía además de hacer artes visuales. El nombre de esta exposición viene de un poema suyo que lleva el mismo título. Parece que unir universos distintos es la especialidad de Camila. La artista hace fusiones todo el tiempo. En su exposición se conjunta lo soft y lo amenazante, la agresividad y la dulzura.

“El título Llenar de miel los bordes era un título que quería darle a algo antes de saber a qué. En realidad, escribo mucho, sobre todo a partir de tomar notas sueltas que luego vinculo entre ellas”
-Camila GB

Esta es la primera exposición individual de la artista. Al preguntarle sobre las diferencias que encontraba entre exponer colectiva e individualmente, nos habló sobre lo distinta que es la articulación de un discurso para cada tipo de exposición:
“Mientras que con una exposición colectiva cuentas con elementos más heterogéneos desde los cuales hilar una narrativa, en una exposición individual la exploración que realizas se enfoca en el desarrollo de un imaginario personal”, nos dice Camilia.

El discurso de Llenar de miel los bordes queda muy claro aún sin ser expresado con palabras. Cuando ves Perrita 1 sabes de lo que está hablando. Sabes que habla sobre vulnerabilidad y sobre dulzura, pero también quedan claras sus vibras vinculadas al sexo, a cuestiones animales, a nuestras garras y a nuestros dientes, a lo único que nos queda para defendernos de lo que dejamos entrar. De ahí lo soft-amenazante, en palabras de Gaby CepedA sobre esta exposición.
Camila gb
Las cadenas son parte de los elementos que más llamaron nuestra atención. Tiene sentido que existan ahí, pues a nuestro parecer simbolizan el vínculo que Camila logra entre lo poético y lo visual.

La parte de nosotras que te dice: cuidado conmigo. Esto en contraste con la suavidad de los peluches, otro elemento de sus piezas, que nos grita: tócame.

Por otro lado, en los cuadros encontramos trazos simples pero totalmente particulares. Nos dice Camila: “Utilizo una serie de motivos gráficos bastante sencillos y que a la mayoría nos remiten al dibujo infantil. Pinto corazones, letras, ventanas, piedras y flores”.

Llenar de miel los bordes se trata de encontrar en lo visual sensaciones que escapan al lenguaje de las palabras. Hace posible entrar en un universo envolvente que te recuerda cosas sobre ti misma, que te permite regresar a tu cuerpo con todo lo que ello implica: ternura y agresividad, monstruos y flores.

“Estos objetos articulan ese lenguaje innombrable del espacio negativo, del adentro que es siempre nuestro afuera”
-Gaby Zepeda para el texto de sala.

Es necesario regresar al adentro que es siempre el afuera. Llenar de miel los bordes es, definitivamente, una experiencia que no queremos perdernos. Puedes encontrarla en Momoroom (Havre 66, Colonia Juárez) hasta el 27 de julio. El próximo jueves 22 tendrá un performance de poesía en voz alta en esa misma dirección a las 17:30hrs.

Librería Rinoceronte: el tesoro literario entre los hospitales

Hace tres años y medio, Carlos Ramírez, Itzel Pedroso y Emilio Acosta abrieron las puertas de un pequeño local ubicado entre los hospitales más grandes de la Ciudad de México, en Tlalpan. Rinoceronte empezó siendo una librería especializada en poesía y el proyecto amarraba con un lazo en forma de fanzine llamado Abdul Abbas, como el elefante blanco que le regalaron a Carlomagno.

Es difícil que personas se dediquen a los libros, porque se vuelve un acto pasional, irracional y adictivo. Es Hermoso. Ahora el proyecto lo llevan sobre todo Itzel y Carlos y entre ellxs se reparten la curaduría. Ella se enfoca más en los libros de arte y él en ficción y poesía. Juntxs, hacen que librería Rinoceronte sea un verdadero tesoro literario.

La fascinación por los paquidermos es un misterio. También es un misterio que los libros que tienen son raros, específicos y difíciles de encontrar. Los consiguen como pueden, buscan constantemente en tianguis, a través de personas que venden bibliotecas, hay todo un mercado de libros que van y vienen. A las personas que nos gusta mucho leer, nos encantan estos lugares porque la literatura se expande y eso es lo que nos da la satisfacción máxima de entrar en la ficción o en un poema. Este tipo de cuevas literarias te dan lo que estás buscando y siempre te abren una puerta nueva.

La experiencia es muy distinta a ir a Gandhi o al Péndulo, lugares más impersonales en donde por lo general vas a buscar algo específico y la transacción es limpia y silenciosa. No. En lugares como Rinoceronte vas a platicar, a preguntar si tienen ese libro difícil de conseguir, a entusiasmar y ser entusiasmada por el deseo permanente de ESE libro intrépido e imposible. Es extraño pero ese deseo es muchas veces, lo que te conecta con la literatura. Rinoceronte está en la calle Fray Pedro de Gante #11, justo en la frontera de Huipulco y Tlalpan, a su alrededor se levantan gigantes los hospitales más importantes de la ciudad, el cruce es interesante y extraño. Hay algo mágico en ir a buscar un libro y que eso sea un viaje en sí mismo. Aunque también se venden por Instagram y los reparten los sábados.


Colette, Cronenberg, Calasso. Autorxs así y más raros se consiguen en Rinoceronte. Vayan o síganlos, si les gusta la literatura, es definitivamente un proyecto para prestarle mucha atención. Sobre todo porque además de tener intenciones de revivir el fanzine Abdul Abbas, también quieren fundar su propia editorial y con ella traer a la vida títulos extrañísimos, dados por muertos o nunca antes traducidos al español.

Librería Rinoceronte
Fray Pedro Gante #11, Tlalpan.
@_rinoceronte

Sabrina Ol y Camila Arroyo presentan una coreografía por las calles de San Cosme

Para presentar la colección de Sabrina Ol inspirada en las Soldaderas de la Revolución Mexicana, la coreógrafa Camila Arroyo realizó una pieza por las calles de la Ciudad de México. Entre reggaeton, uñas y colores, las dos creadoras muestran su versión del México contemporáneo.

Sabrina Olivera es una diseñadora mexicana. Nació en 1994 en la Ciudad de México y a principios de ese año registró su marca Sabrina OL con la que se expresa a través de la indumentaria. La marca se divide en diferentes colecciones y cada colección encuentra su inspiración en diferentes lugares: poesía, imágenes, historias, personas. Esto tiene como objetivo generar para cada colección un universo propio e identificable, con su lenguaje visual característico. Este mes entrenó “Soldaderas”, una pieza de video-danza/fashion-film en colaboración con la bailarina Camila Arroyo. A propósito de este evento, y porque su presencia en el medio es cada vez más fuerte e interesante, le hice algunas preguntas para conocer más de qué se trata Sabrina OL.


¿Cómo empezó el proyecto Sabrina OL?

Empezó como un proyecto para poder aplicar a mi visa O-1 (de artista) y quedarme en Nueva York. Parte de la aplicación requiere tener tu trabajo publicado en revistas para darle credibilidad a tu capacidad “extraordinaria”. Al principio mi objetivo era exclusivamente hablar sobre el concepto y lo que quería expresar con mi proyecto y colección “Soldaderas”. Eventualmente me aconsejaron tener una página para que las personas que leyeran mi artículo tuvieran donde “comprar las piezas”. En ese momento estaba muy lejos de poder tener dinero para producir las piezas de mi colección y más lejos de hacerlas yo misma por el trabajo demandante que tenía en ese entonces. Por eso decidí aceptar “preórdenes” y pedía un anticipo del 100% del costo de la pieza bajo una promesa sustentable y un sistema que evitaba la sobreproducción o el exceso de compra de materiales, etc. Con el dinero que recibí de los anticipos pude comprar materiales y lo necesario para completar las órdenes que la gente había hecho después de que los artículos fueron publicados. Eventualmente encontré varias fallas en este sistema de producción. Tuve que reinventarme cuando decidí convertir este proyecto en un negocio.

Creación en la Ciudad de México

¿Dónde estás ahora?
La marca se registró oficialmente el 8 de febrero de este año y llevo desde entonces intentando establecer un sistema en donde la marca sea autosustentable. Algo emocionante es que este viernes 2 de julio se estrenará un cortometraje que grabé sobre la soldadera contemporánea, como parte de mi primer proyecto que se inspiró en las mujeres de la revolución mexicana, comúnmente conocidas como las Adelitas. El corto es un video de danza dirigido por Camila Arroyo que muestra un recorrido a través de la colonia San Rafael en la Ciudad de México. En este recorrido se representa a una “soldada” moderna, en donde la ropa, música, peinado, maquillaje y entorno aumentan en exuberancia, haciéndola sentir cada vez más libre.

¿Cuando ves una tela que te gusta, te entra por los ojos o a través del tacto?
Pues yo tengo la mala costumbre de imaginar telas. Entonces comúnmente tengo que dibujar y crear los patrones que me imagino e imprimirlos sobre tela, o buscar telas lo más parecidas a lo que se me ocurre.

¿Qué es la moda para ti?
Para mí es crear piezas que me emocionan y quiero usar y generar lo mismo en la gente que tengo alrededor. Que se prendan con la idea de usarlas. Muchas veces es usar algo que sale de lo socialmente aceptado y volver la ropa una nave para entrar más en contacto con nuestra identidad, humor, y personalidad.

Poesía textil

¿Qué proyectos contemporáneos de diseño de indumentaria te interesan? ¿Por qué?
Me gusta mucho Telfar porque me gusta creer que democratizó un poco la industria de la alta costura, creando una bolsa de lujo “accesible”, la gente le llama “The Bushwick Birkin”, o por los proyectos sociales que involucran a su comunidad. No se que tan realista sea pensar en una industria que se creó a partir de la exclusividad como algo democrático, pero definitivamente creó una comunidad mucho más diversa que puede consumir sus piezas sin tener que ser necesariamente blancos y millonarios.
Me interesa la manera en la que se sale un poco de la normalidad a través de los proyectos sociales. Lleva desde el 2017 diseñando “pro bono” los uniformes para la cadena de comida rápida White Castle. Paralelamente retoma el logo del restaurante y lo usa en piezas de su marca, con las cuales recauda fondos que van dirigidos a pagar los préstamos estudiantiles de los empleados de la cadena de comida rápida.

¿Qué relación tiene para ti la poesía con la indumentaria?
Siento que la poesía es un tejido de palabras que puede ser tan visual que se siente táctil. La ropa es una composición de elementos visuales que puede ser muy poética también. Colaboro mucho con mi amiga Rebeca Leal, con la que escribo los textos para explicar los conceptos de mis proyectos y la mayoría de las veces la única manera de explicarlos es a través de la poesía.

¿De qué manera llegaste a relacionarte con la danza?
Siempre he pensado que la ropa tiene otra personalidad cuando está en movimiento. Cuando llegó la oportunidad de grabar un videodanza para mi último proyecto me pareció muy emocionante mostrarla desde ese lugar. En el video el movimiento se vuelve la narrativa y me parece que se llega a un nivel diferente y más profundo.

La colección Soldaderas es moda y movimiento

¿Por qué hacer el video de Soldaderas?
Soldaderas nace con la intención de hacer un tipo de show para presentar mi colección. Camila me propuso hacer un video con una coreografía, conceptualizada junto con la música, la calle, etc. Queremos expresar la fortaleza de las mujeres tanto en esa época como ahora. En el video se logra comunicar esto, la construcción de piezas que se van volviendo más fuertes y coloridas.

¿Cómo se reflejan las calles de México en el video?
El recorrido que hace el personaje es uno que hizo la coreógrafa Camila Arroyo de manera diaria por mucho tiempo, ella quería rendirle tributo a su cotidianidad, a la acción de vestirse todos los días, gozarnos a nosotras mismas y salir a disfrutar de la ciudad.

¿De qué nutres tu inspiración?
Últimamente de conversaciones y de mi comunidad. Siento que tengo etapas. A veces me siento más ñoña y me gusta consumir literatura, poesía, ciencia o filosofía para inspirarme, y a veces me inspiran cosas más mundanas o simples. Me gusta explorar mucho las dos posibilidades y creo que cada una tiene su magia. La idea de seguir nutriéndome de ambas cosas en el futuro, me emociona.

¿Para qué tipo de ocasión te gusta arreglarte más? ¿Por qué?
Me encanta ponerme algo que sé que voy a usar todo el día. Siento que es cuando más aprovecho para ponerme algo que me haga sentir bien porque estoy mucho tiempo conviviendo con ese look. También creo que me gusta la idea de ponerme algo en la mañana que puede que me quite la mañana siguiente.

Soldaderas se estrenó este mes en la Ciudad de México. Pronto podrá verse en línea a través de las redes de Sabrina Ol.

El rap como protesta: entrevistamos a la artista Mare Advertencia Lirika

Mare Advertencia Lirika es una artista y activista oaxaqueña. Actualmente se expresa a través del rap; combina música, poesía y militancia feminista.

Anoche platiqué con Mare Advertencia Lirika por videollamada. Fue una llamada breve porque ella estaba en tránsito hacia Veracruz. Se dirige hacia allá para acompañar a su amiga (y activista) Gemaly Padua Uscanga, quien organizó los festejos de San Juan Bautista en Chacalapa. Acababa de pasar por la Ciudad de México, pues formó parte de una actividad política organizada por el colectivo Feminismo Crítico. Yo tenía mucha curiosidad en general, porque ella es una artista poderosa y política, porque es multidisciplinaria y parece concebir las formas como una continuidad de posibilidades expresivas. Y porque siento que dialoga con su entorno de una manera ancestral.

Fotografía Rodrigo Vazquez

Esto último no es únicamente porque dialoga con su propia conexión con una tradición ancestral como lo es la zapoteca, si no porque mi intuición me dice que Mare es una persona muy atenta, que puede decodificar y plasmar mensajes en el tiempo. Mensajes que escribe en servilletas, libretas, papelitos, y que después se convierten en canciones o en poemas que rapea. Ella mezcla la música y el activismo, que para Mare son una sola cosa que se desprende del entorno en donde creció: la periferia de la ciudad de Oaxaca. Por lo que me contaba Mare anoche, podía reconocer en esa periferia la misma periferia en donde yo nací, en Buenos Aires. Esto me hizo pensar en esa condición periférica, en la dualidad que existe entre la ciudad y el suburbio. Pensé en las ciudades como algo estéril y en las periferias como un caldo vivo. Lugares caóticos en donde las personas se expresan por necesidad y no por aspiración. Los mensajes encuentran formas en un devenir inevitable. El rap, el graffiti, la música folklórica, el baile, son formas para dialogar con el entorno.

Después de hablar con Mare me puse a ver un documental sobre el antiguo Egipto, y la señora que conducía el documental decía que todas esas imágenes talladas en piedra y esas pirámides impresionantes, eran una manera de hablar con la naturaleza. Yo pensé inmediatamente en los graffitis, en el break dance, y en el rap. Formas de dialogar con la naturaleza de los suburbios, con el cemento, con la marginalidad, con el deseo de conjurar un presente y un futuro más sensible, con lo que puja por salir para depurarse. Eso que sale se estampa para que lo vea alguien más, así se habla también. Así se pasan las advertencias, se crea comunidad, y es tan loco, porque yo ayer veía en el documental unas vacas talladas en una piedra de hace más de cinco mil años y parecían tan irreales…algo en esa imagen tan clara trastoca mi percepción del tiempo. Mare me decía algo ayer que me pareció hermoso, me dijo que ella no decidió ser música, sino que fue una forma que la encontró a ella y un medio que se le facilitó para expresarse, pero que puede cambiar en cualquier momento. Ella sabe que las formas mutan y que lo importante es la transmigración de los mensajes. Ser un canal. Mare es una mujer y es un canal y es militante y es rapera y está abierta a su intuición femenina que le dicta desde el corazón, los pasos a seguir.

Escucha a Mare en este link.

Bellas de Noche, regresa el documental sobre las vedettes en México

Este sábado hay una watch party virtual de Bellas de Noche con la presencia de su directora María José Cuevas. Hablamos con ella sobre el proceso de realización del documental y la libertad sexual femenina en los 70’s en México.

Bellas de Noche es un documental dirigido por María José Cuevas. Presenta la vida de cinco vedettes en México: La Princesa Yamal, Wanda Seux, Lyn May, Olga Breeskin y Rossy Mendoza. Una vedette es la estrella de un show. Una artista que sabe bailar, sabe cantar y aparece en los cabarets, los teatros de revista y los centros nocturnos de la Ciudad de México en los años 70 y los años 80.

La directora nos cuenta que no ha vuelto a ver Bellas de Noche desde que salió en cines en 2016, pero el significado que tiene para ella nos parece profundamente subversivo. Este es un film cercano al cuerpo y a las cosas que pasan en él. La enfermedad, la melancolía, la vejez y la pérdida son motivos importantes de este proyecto.

Con Bellas de Noche, María José no buscó hacer un documental sobre una época y un género, tampoco sobre Rosa, Wanda, Lyn, La Princesa y Olga como personajes, sino como personas. Como mujeres que pueden ser un espejo para todas nosotras, si consideramos que este mundo prioriza la juventud y la belleza en los cuerpos que son leídos como femeninos.

Además, María José considera que estos cinco huracanes, como ella las nombra, son un símbolo de libertad sexual. A nosotras nos parece que además son una muestra de cómo podemos performar nuestro cuerpo, modificarlo y apropiarnos de él como el territorio en el que transcurre nuestra vida.

Liberación sexual a través del tiempo

El nivel de intimidad que encontramos en Bellas de Noche es algo que sólo pudo lograrse con el paso del tiempo. Pasaron diez años desde que María José conoció a La Princesa Yamal, quien le presentó a Wanda Seux, hasta el lanzamiento del documental. La importancia de las amigas y de la cercanía, de nuevo, nos parece un elemento disruptivo de esta obra.

“Eso fue lo que todas tuvieron que vivir, vivir momentos difíciles. Y todas se reinventaron con el tiempo”, dijo María José Cuevas.

Bellas de Noche se sumerge en las vedettes como personas, mujeres y artistas.

En una cultura donde envejecer está mal visto, Bellas de Noche es una desviación, una liberación y una posibilidad de reinventarnos conforme vivimos y el tiempo pasa por nosotrxs. Reivindicar las marcas visibles del tiempo sobre unx. Transformar nuestro brillo cuando nos llegue la noche.

Juan Pablo Bastarrachea, director de Cine Tonalá, es el encargado de la programación de cine de la aplicación de Yo Mobile, la cual tiene muchas películas totalmente gratis. El próximo sábado 10 de julio, en la misma aplicación habrá una watch party de este documental sobre las vedettes en México, con la presencia de la directora María José Cuevas y @pelidelasemana a las 20hrs.

El único lugar donde puedes encontrar chilate en la ciudad

En la colonia Santa Úrsula, se encuentra Crepas y Chilate. El único lugar en la CDMX donde puedes probar una bebida típica de la Costa Chica de Guerrero hecha de cacao, arroz y canela.

Los habitantes de esta apacible colonia en Coyoacán conocen bien este lugar. Sobre la Av. Santa Úrsula, Crepas y Chilate se distingue por sus mesas de madera, sus series de luces cálidas y un intenso color rosa mexicano. Y no hay otro lugar en la ciudad que ofrezca un chilate igual.

Los hermanos Jonathan y Germán Mier Romero son los dueños de este establecimiento. Ellos nos cuentan que cada familia en Huajintepec, el pueblo de su padre, tiene una receta propia para preparar chilate, y su familia no es la excepción. Sus padres compran el cacao a los lugareños, lo muelen y lo tuestan a mano. Luego lo envían a este rincón de la Ciudad de México y lograr un chilate para nuestro deleite.

Aunque producirlo de manera artesanal es laborioso, el chilate es súper versátil. Aquí puedes tomarlo caliente o con hielos, como se hace típicamente. También pueden endulzarlo para ti con piloncillo o azúcar. Y si te atreves, puedes probarlo con el sabor amargo que caracteriza al cacao.

Al llegar a Crepas y Chilate encontrarás calaveras por todas partes. Germán nos cuenta que el concepto del lugar está inspirado en La Catrina, de José Guadalupe Posada. Las bebidas se sirven en jarritos de barro o vasos con forma de calavera. El espacio es íntimo y cálido, y dentro de él parece que siempre es día de muertos.

Algo que distingue al local de otras creperías, además del chilate, son las combinaciones extraordinarias de crepas con cualquier tipo de guiso. Crepas con rajas poblanas, con cochinita o a la bolognesa, le dan otro toque especial a este rinconcito de la ciudad.

Cada mes, este establecimiento crea una especialidad dulce y una salada inspirada en distintas festividades. Hay crepas con flor de cempasúchil en noviembre, o crepa en nogada en septiembre. Algunas de ellas se han incorporado al menú gracias al cariño que le agarran lxs comensales.

Puedes visitar este lugar maravilloso de las 10 a las 22:30 horas de martes a domingo. Los hermanos Mier nos cuentan con alegría que lo que empezó como un local callejero afuera del panteón francés, ahora cuenta con sucursales en Huayamilpas, Narvarte y Ojo de Agua. Además de Crepas y Chilate Express, también en Santa Úrsula, donde han incorporado café a su menú.

Como dato curioso, se desconoce de dónde viene la palabra chilate. Por lo que actualmente Jonathan y Germán, apoyados por la Casa de las Lenguas México, están investigando su origen.

Prueba el Chilate en la Ciudad de México en Av. Sta. Úrsula mz.663, Coapa, Coyoacán.

La nuevo de Ket Void: piezas transgresoras que imitan el asfalto y la ciudad

Ket Void se inspira en escenas como el Metro en hora pico. Cada colección está hecha de 5 o 6 piezas, que tardan incluso años en tomar forma y ser creadas.

Lorena Vega nació en Torreón, Coahuila pero a los diecisiete se mudó a la Ciudad de México. Al mero centro, para ser precisas, donde empezó su propia marca de ropa:  Ket Void, se llama. Se identifica como un proyecto de investigación de manufactura justa y local, que por ahora se expresa a través de la indumentaria, pero en realidad está abierto a otro tipo de objetos. “Ket void” era el username de Myspace de su amigue de cuando tenía diecisiete. Eso fue hace un poco más de diez años. Las cosas desde aquel entonces cambiaron mucho, pero Lorena mantuvo el dedo firme en el renglón y nunca soltó su proyecto.

La primera colección vio la luz en el 2015 con una serie de sudaderas brandeadas en tela reflejante. Y posterior a esa eclosión, Ketvoid ha sostenido una producción misteriosa y espaciada, fiel a las posibilidades y necesidades expresivas de su madre creadora. Lorena es artista, lo que hace es arte y su medio son los objetos funcionales; en ese caso y por ahora, la indumentaria. Cada colección cuenta con un aproximado de cinco o seis piezas, que tardan incluso años en adoptar una forma y ser creadas. La producción es pequeña, la escala es apretada y seductora: pocas cosas, bien definidas. Cada pieza habla por sí misma.

El estilo cambia porque Lorena cambia y su deseo de plasmar su percepción es lo que le dicta el ritmo. No es moda, no se acomoda. Una tiene que acomodarse, lograr entrar entre el látex y los zipers y los amarres. Cada colección de Ketvoid se sostiene en una ficción. Porque para vivir hay que soñar o fantasear. La inspiración que da el intrincado despliegue de calles y personas que constituyen el centro de esta ciudad, la noche, los vórtices que se forman hacia arriba y hacia adelante entre los edificios pegados, uno al lado del otro. Esa energía te succiona y esa también es la vida.

Lorena dice que son “uniformes”, que eso es algo que a ella la conecta para pensar las piezas. Piensa en personajes e inventa narrativas para cada una. Por eso también son tan distintas, porque las historias van cambiando. La pulsión es fiel a ella, no se abandonan la una a la otra. Nunca. Lorena Vega es una de las pocas militantes del misterio que conozco. Ella cree que el underground está muerto, en parte gracias a Instagram y la deprimente compulsión de reducir todo a imágenes mega digeridas, normales, aburridas, capitalizables. Ketvoid es su plataforma de aguante. Ahí ella aguanta y va de a poco, descifrando el enigma que no termina nunca.

La última colección se llama Cápsula y acaba de salir. Tiene de todo, un traje increíble que lleva de nombre Atropellada y está hecho de una tela que da la sensación de protección absoluta,y hace mimesis con el asfalto y las huellas de los neumáticos. O los pantalones Moshpit, inspirados en la hora pico del metro de la CDMX, dibujados con cloro a través de unas placas de serigrafía sobre una tela negra perfecta (los dibujos son de Lorena, obvio). Una sudadera muy Andrea Caracortada. Y algunas prendas más que prefiero que descubran por su cuenta.

www.ketvoid.com

Musmin, la nueva marca de ropa inspirada en la literatura

Musmin es una marca que combina moda y literatura y hace las cosas bien. Conoce esta colección inspirada en Orlando, el personaje trans de Virginia Woolf.

Su nombre nace de la combinación de Musgo y Moomin, ambos gatitos de Beatriz, la directora creativa de este innovador proyecto inspirado en la literatura. En un mundo donde el fast fashion impera, encontramos en Musmin una marca de slow fashion que además tiene un concepto disruptivo.

Beatriz estudió literatura, pero siempre le gustó coser. Su relación con la costura es profunda y conmovedora. Ella nos cuenta que su abuela hacía a mano toda su ropa, y que eso la hacía sentir segura y querida al salir a la calle. Musmin es una fusión de sus dos pasiones: los libros y la costura.

La nueva colección de Musmin está inspirada en el universo de Orlando, de Virginia Woolf. La historia comienza en el siglo XVI, en donde las prendas y el ritual de vestirse era radicalmente distinto al actual. Orlando, el protagonista, atraviesa por historias de amor y cambios de época a través de las cuales tiene que cambiar de sexo inevitablemente. Este ser andrógino es un punto clave para la nueva colección de Musmin.

Orlando surge en un contexto pandémico. En el tiempo en que vestirse para salir era un evento excepcional. La colección nos transporta, con toda la intención, a un mundo diferente, en el que debes contemplar el tiempo necesario para poder abotonar tu Blusa Luis XIV, por ejemplo. Darle importancia a lo que te viste es la línea que Musmin sigue para esta línea de prendas. Podemos pensarla como una especie de fuga, algo disruptivo que nos transporta a otro mundo, en el que mostrar nuestra identidad a través de la ropa que usamos es fundamental.

La producción de esta colección fue laboriosa, por todas las particularidades que implica transformar una sudadera o un pants en prendas isabelinas. Nos dice Beatriz que aunque producirla fue compleja, para su marca es importante transmitir la misma sensación que tenía ella al usar prendas hechas por su abuela. Pensar: “Alguien cree que lo valgo, que valgo todo este tiempo y este trabajo”. Además, cada prenda de Orlando es limitada, es decir, fugaz. Cuando se van no vuelven a existir. Eso hace especiales las prendas de Musmin, y al mismo tiempo vuelve especiales a los cuerpos que los portan.

El ser andrógino que protagoniza esta colección, también vuelve a Musmin una marca políticamente disruptiva. Sus modelos corresponden a esa apariencia andrógina y una elaboración de maquillaje y peinado totalmente especiales. Orlando nos ofrece la posibilidad de vestirnos sin importar nuestra identidad de género, tal y como lo hace el protagonista de esta obra. Orlando es probablemente el primer personaje queer que encontramos en la historia de la literatura.

La elaboración de Orlando, nos cuenta Beatriz, implicó un análisis de su propia identidad y de la identidad de lxs otrxs. “El abanico es mucho más grande de lo que nos han querido hacer pensar”, dice Beatriz. Las implicaciones políticas sobre la identidad, y sobre la performatividad del cuerpo en esta colección son algo cautivador.

En el futuro Musmin traerá cápsulas igual de maravillosas que sus colecciones. La cápsula que viene está inspirada en un libro de rezos de María Sabina. La esperamos muy emocionadxs, pues seguramente nos transportará a un mundo nuevo. Al contarnos sobre esto, Beatriz nos dice que la idea de su proyecto es que cada autor que inspire sus prendas tenga una postura política y una postura ante el mundo, pues la literatura está llena de misoginia y formas de odio parecidas.

De eso se trata Orlando, de abrir nuestras posibilidades en un mundo que también está abriéndose de nuevo. De salir a la calle con la seguridad de que alguien pensó tanto en nosotrxs, que se tomó el tiempo de diseñar prendas tan únicas como nuestra identidad, y que puso mucho amor al hacerlo.

Fotografía @€stuvez
Estilismo @gesendra
Peinado @interdimensionalife
Maquillaje @bellezade_cantina
Modelos @carinaore @diego_the_darling
Conoce más de la marca en musmin.mx